To hear and to be heard. 奧拉弗．埃利亞松：一段迷人的好奇旅程
上週我特地前往北美館，觀賞了藝術家奧拉弗．埃利亞松（Olafur Eliasson）的「你的好奇旅程」展覽。這個展覽早已被我默默收藏在行事曆中許久，卻不記得確切原因。在出發前，偶然得知 Netflix 紀錄片《抽象設計的藝術》中有一集專訪埃利亞松，便決定先一探究竟。這部紀錄片（第二季第一集）打開了我的藝術視野，觀看過程中，許多似曾相識的記憶片段突然湧現——原來，我曾在某處看過這位藝術家的介紹，其中最令我印象深刻的，莫過於他在泰德美術館的「天氣專案」。
那件作品的設計十分巧妙：在泰德美術館的特定空間裡，埃利亞松打上了一片濃郁的黃光。走進其中，所有色彩瞬間消失，世界只剩下黃、白、灰、黑四種色調。搭配一面巨大的半圓形鏡子，巧妙地將反射的影像補齊，營造出一輪完整的「太陽」。我這才想起，紀錄片中這段影像，正是當年讓我對埃利亞松留下深刻印象的片段。
埃利亞松的作品在紀錄片中展現出強烈的個人特色。他並非那種以複雜形體取勝的藝術家，然而他的思考過程卻極其複雜，最終呈現出的畫面卻往往簡潔而富有張力，這正是我最欣賞他的地方。例如，紀錄片中還有一個讓我拍案叫絕的片段：攝影機對著我拍攝，我站在一面「鏡子」前。當我輕輕揮動手臂，鏡中的手理應隨之擺動，但卻延遲了一下。原來，他運用了巧妙的攝影技巧，找到了特定的角度，讓一面橢圓形的鏡子看起來像是圓形，製造出視覺上的錯位感。這種看似簡單卻充滿巧思的作品，在這次北美館的展覽中比比皆是。
水的姿態與大地脈動：捕捉自然界的詩意
在埃利亞松的眾多作品中，他早期的成名作「瀑布」概念，源自他在冰島生活時對自然景象的觀察。紀錄片中呈現了冰島壯觀的瀑布，當水流傾瀉而下，經過不同角度的光線折射，便會呈現出變幻萬千的樣貌。埃利亞松的厲害之處在於，他能將這種對自然現象的深刻體會，以藝術形式搬到世界各地。例如，他曾在紐約布魯克林大橋下設置了巨型人造瀑布，當水流從高處落下，觀者才能真正意識到橋梁的宏偉高度。
我覺得在觀展前先看紀錄片的好處是，能更深入了解藝術家的創作脈絡。然而，埃利亞松的作品也極度強調觀者在當下的個人體驗。即使不了解背後的故事，觀者依然能從作品中獲得獨特的感受，這是我非常喜歡的一點。有時看一些藝術作品，若沒有解說，便難以理解其意，但埃利亞松的作品卻能讓人產生直覺性的共鳴。當然，若能搭配背景故事，感受會更加豐富。
觀看完紀錄片後，我對埃利亞松的興趣更加濃厚，便查閱了他近期的作品。有趣的是，年輕時的他竟是位機械舞者，紀錄片中甚至有他青少年時期在百貨公司前面跳舞的片段。或許正是這份對空間、機械、動力與反作用力的敏感度，造就了他獨特的藝術視野。最近，他甚至為韓國旅德的 DJ Peggy Gou 拍攝了一支 MV。整支 MV 中，Peggy Gou 穿梭在埃利亞松經典的藝術裝置中，透過光影與錯位的手法呈現出一種奇特的視覺體驗，而他自己也充分入鏡，在其中自在的跳著舞。這位藝術家不僅玩心十足，也十分樂意與年輕藝術家合作，探索不同領域的可能性。
北美館的體驗：會想再去一次的心靈衝擊
回到北美館的展覽現場，我是在開展那一週的週三傍晚去的。原以為週間傍晚人潮會較少，沒想到現場人山人海，可想而知暑假期間將會更為驚人。
踏入展場，首先映入眼簾的是「多重影子屋」。這是一個利用背投影技術的房間，將觀者的影像投射在螢幕上。這裡成了年輕人和孩子們互動玩樂的場所。有趣的是，影子屋內有三四個房間，有些房間打光較多，有些只有兩盞燈。我經過其中一間只有兩盞燈的房間時，聽到有人抱怨這間比較無聊，因為影子效果較少。我不清楚藝術家的確切用意，但我相信這種差異化的安排背後，定有其巧思。
接著，我看到了本次展覽中我第二喜歡的作品——「風的書寫和太陽繪圖」。這件作品是埃利亞松為卡達國家美術館量身打造的。展場上擺放著五六個蠻大的圓形框，框中呈現的是「風的書寫」與「太陽繪圖」。「風的書寫」大概是藉由風吹動裝置，在紙上描繪出風的軌跡，線條優美而富有詩意。「太陽繪圖」則是在紙上留下太陽光灼燒的輕微痕跡。這件作品的迷人之處在於，它既是自然現象的呈現，又蘊含了人為的精心設計。它模糊了自然與人工的界線，讓觀者思考，這究竟是自然之筆，還是在特定情境下，由自然協力完成的藝術創作？
另一個類似概念的作品是「地震儀對距離的證言」。埃利亞松在全球巡迴展覽時，在運送展品的貨櫃中放置了地震測量儀器，將運輸過程中的震動軌跡繪製下來。這正是埃利亞松的獨特之處——他能將看似微不足道的事物放大，並賦予其意義。當我看到卡達的風所書寫出的圓形，我彷彿也能感受到那股力量。這種「有與沒有之間」的模糊感，正是埃利亞松藝術的迷人之處。
時空的凝結與色彩的抽離：一場內在對話
展覽中還有一個名為「環型共振器」的作品，透過巧妙的稜鏡排列，將光線折射在牆上，呈現出令人驚豔的視覺效果。作品概念看似簡單，但從不同角度或光線選擇下，光影的投射變化卻讓人感到無限奇妙。
然而，本次展覽我最喜歡的作品，莫過於「被活動定義的物體（當時）」。它的設計概念極為簡單：在一個完全漆黑的房間裡，中央放置一個黑色平台，平台中央設有一座小型噴泉。這座噴泉上方打著一盞持續閃爍而非恆亮的燈光。在這樣極簡的設計下，畫面卻充滿了魔幻感。由於燈光持續亮滅，你看到的噴泉不再是連續的水流，而是一張張被定格的連續照片。每一刻的噴泉姿態都獨一無二，彷彿被時間凝結。
展場中播放的潺潺流水聲，更增添了作品的沉浸感。當人潮較少時，置身其中，我的心境會異常平靜。我腦海中浮現一個念頭：每一刻的這個噴泉其實都是不一樣的，它會有一點點像是佛教裡面的一個說法：每一刻的我也是不一樣的。那每一個過去的我，都已經成為一個定格了，而我現在看到的，都已經是這個當下。這樣一個微小卻深遠的概念，讓我深感震撼。我非常喜歡房間的極致黑暗，甚至當有人因太暗而打開手機手電筒時，我也絲毫不覺惱怒，反而心存感謝，讓大家能暫時看清腳下的路。這件作品，讓我莫名地喜愛。
另外一個名為「美」的作品，則是我前面提到過的瀑布與霧氣裝置。有趣的是，台灣觀眾非常可愛，藝術家原意是希望觀眾自由穿梭於霧氣中，因為每個人站立的角度不同，霧氣中的顏色也會隨之變化。但台灣觀眾卻會好好的站在一旁拍照，而不是說：「我覺得如果我繞到了背面去，好像就阻擋了別人拍照的方式。」所以覺得還蠻喜歡的。
最後，不得不提「單色房間」。當我在紀錄片中看到這件作品時，就被藝術家所調配的黃色深深吸引。我從來不是喜歡黃色的人，但無論在紀錄片中，還是在北美館的那個空間裡，那個黃色都讓我感覺不激烈、也不過於明亮，是種極致的美。當這個美麗的顏色抽掉了所有人的其他色彩，只剩下黃、黑、灰、白時，這種藝術效果顯得相當成立。
我是離開之後才開始回想，在那個單色空間裡，是不是每一個人身上的某些東西都被抽掉了？當我事後再回想在那個裡面的我的時候，我也會想說，在那個時候我有沒有某一些東西被抽掉了？雖然我感受上是沒有，我當下也沒有，但是我離開之後覺得好像有。我覺得那個抽掉了顏色的我，好像有那麼一點點少了些什麼，但是又沒有那麼的明確。因為它又不是像黑白片那麼的薄一點，它有顏色，可是那個顏色又不是你完整的顏色，有點說不上來。我覺得那個心情還蠻奇妙的，而且這種感受直到當晚才慢慢浮現。所以我覺得這個藝術家他就是厲害在這種地方。當下可能就是覺得很好玩，因為我的顏色不見了，大家都變得黃黃的，然後它會帶給你視覺上很新奇的感受，就算我看過紀錄片，我看過照片。
我覺得比較可惜的是，在紀錄片裡面，他的狀況是，他走進一個黃色房間，然後這個黃色房間當他在裡面再開了一盞燈之後呢，色彩就回來了。我其實很喜歡那個色彩回來的過程，雖然我完全不知道為什麼。我們在北美館這個空間裡面，它並沒有這一趴。但我也有點好奇說，如果有這一怕，不知道是什麼感覺。就是，也許在那個環境裡面，五分鐘回來三十秒你的顏色，那個感覺會是什麼？它可能有一些更不一樣的什麼吧，就覺得哇，很好奇那個感覺。
這個展覽之後一定會繼續非常非常多人，真心還蠻推薦大家可以去看。